高解析度 · 极致音色

专辑简介

Elan Valley begins with music depicting shifting patterns of light on water. Fragments of the song of the dipper are then played in unison by the flute and celesta over a sustained chord in the strings. The Welsh folksong Dacw ‘Nghariad then appears in the oboe accompanied by strings. Birdsong-like figures in the woodwind then lead into a development of the opening music which is followed by a varied version of the folksong in the harp. Music evoking water cascading over the dams follows. The folksong then returns first on unaccompanied bassoon, then clarinet, then horn interrupted each time by the song of the dipper on the flute and celesta. Some of the material from the beginning is then recapitulated leading to the buildup of the chord across the whole of the string section to end the piece.骚妇的视频vkvk 专辑介绍：这是在当今音乐界极具影响力的阿尔迪蒂弦乐四重奏团的最新录音。该乐团由艾尔文・阿尔迪蒂于 1974 年创立，凭借对现代音乐及 20 世纪初作品的精湛诠释享誉世界，曾首演凯奇、卡特、德帕布罗、多纳托尼、杜萨潘、费尔德曼等作曲家的众多作品。自 1988 年受武满彻邀请赴日参加音乐研讨会后，乐团便开始在日本定期开展活动，演奏并录制了大量日本作品。本专辑收录了由高崎艺术剧场与科隆爱乐乐团联合委约的作品 —— 细川俊夫《Passage》的世界首次录音。高解析度录音完美捕捉了阿尔迪蒂弦乐四重奏团那与空间相融、稍纵即逝却又经打磨而成的纯净音色，将其精准呈现。乐曲介绍：1、萨尔瓦托雷·沙里诺：《紫色法典II》（1984） 萨尔瓦托雷·沙里诺（1947- ）曾是一位鲜为人知的作曲家，如今已跻身最著名的意大利作曲家之列。他在音乐中营造的魔幻氛围、对运用各种特殊演奏技巧打造沙哑音效的执着，以及独特的引用手法，无疑在当今乐坛彰显出鲜明的个性。作品标题《Codex Purpureus》意为“紫色羊皮纸手稿”。1983年创作的《Ⅰ》采用弦乐三重奏编制，而次年为克雷莫纳音乐节创作的《Ⅱ》则采用钢琴与弦乐四重奏编制。 然而，这正是沙里诺的风格，与传统的“钢琴五重奏”截然不同。其最独特之处在于钢琴的运用方式：虽然偶尔会弹奏音阶片段，但钢琴始终作为弦乐器的共鸣体，默默反射其声音，从未主动参与音乐的推进；另一方面，弦乐器则通过和声的滑音与颤音，不断营造出梦幻般的音响效果。（沼野雄司） 2、野平一郎：《弦乐四重奏曲No.5》（2015）20世纪50年代，布列兹提出的“必须组织混乱”这一号召，对我而言是表达音乐“现代性”的不可或缺的语言；即便进入21世纪，它依然深深触动着我的心灵。这一理念超越现实的呼喊，逐渐深入虚无的世界。这部作品中几乎看不到构成音乐的常规要素，如“旋律”“和声”“节奏”等，存在的只是对声音或声响的“冲动”之类的东西。从这个意义上说，这部作品是我创作史上最“负面”、最“否定”的音乐。这是否标志着我心中弦乐四重奏的终结？全曲由三个长度相近的乐章组成，需连续演奏。 第一个乐章呈现出极端的静与动的对比：在极弱音的厚重和声中，标记为“furieux”（狂暴）的“愤怒发作”“怒火爆发”段落不规则地穿插其中。声音始终伴随内部波动，从未真正平静。 第二个乐章传统上可归类为谐谑曲，它以一个简单的上行节奏型为支撑，或许可称之为螺旋形式——当某个方向的展开结束时，便会重置回初始状态，再以另一种不同的展开方式描绘出新的圆环。“展开”一词仅是名义上的，实际上只存在对数字节奏的虚无感。节奏在此虽借助演奏者自身的能量，却仅以数字化的突兀变化呈现。唯有在最后标记为“摇摆”的段落中，人类感知的生动节奏才得以显现，但音乐本质上仍保持着“虚无”的爵士风格。第三个乐章再次呈现极端的静与动的对比。在宁静的和弦回响中，部分乐器试图发出声音，却更像是语言形成前的本能冲动。结尾处标注“在葬礼的氛围中”，各乐器交替呈现常规音域与高音域泛音的旋律，共同构成追悼的旋律。音乐进一步弱化，一种阴郁的葬礼合唱片段通过四人的颤音断断续续地浮现。乐曲以“出口处”为标记，迎来一种暂时性的终结。此时，各演奏者或依次、或分组演奏上行音型，各自结束乐曲：首先是大提琴手庄重奏毕，接着两位小提琴手起初从容演奏，最终悄然消逝。最后留在舞台上的中提琴手摇摇晃晃地踱步，灯光也随之渐渐暗下。弦乐四重奏的未来，仿佛就像每位成员各持己见一般，在分歧中悄然远去。（野平一郎） 3、克塞纳基斯：《阿凯亚》（1986）雅尼斯·克塞纳基斯（1922-2001）是一位出生于罗马尼亚、青年时代在父母的故乡希腊度过、二战后定居巴黎的作曲家。他曾参与反抗纳粹的运动，后在希腊内战中受伤（一只眼睛失明），这些严酷的经历仿佛被直接镌刻在他的音乐中，使他的作品在20世纪音乐史上呈现出罕见的激烈特质。这部《阿凯亚》是1986年应“巴黎秋季音乐节”委约，为阿尔迪蒂四重奏团与克劳德·埃尔费创作的作品，标题意为“治疗、治愈”。作品以钢琴宏大的琶音开篇，弦乐器随后以和弦的楔形音加入。紧接着，舞曲风格的固定音型（奥斯蒂纳托）、带有即兴色彩的小提琴与钢琴旋律，以及以奇特平衡呈现的上下行音阶等元素接连涌现，共同构筑出混杂的音响效果。乐曲中时而飘荡着类似旋法（带有冲绳民谣风格）的音调，这是克塞纳基斯80年代诸多作品的共同特征。最终，音乐进入类似尾声的段落，力量逐渐消散，在宁静中结束这场约15分钟的听觉旅程。（沼野雄司）4、细川俊夫：《Passage四重奏》为弦乐四重奏而作（2019年首演） 2020年是贝多芬诞辰250周年，科隆爱乐乐团委托我以贝多芬的对话笔记（因贝多芬失聪，与人交流时需通过手写文字提问，笔记中收录了他的文字回复）为素材，创作一部弦乐四重奏作品。我认为，无论人们提出何种问题，他的回答似乎都来自与提问者截然不同的维度。因此，我试图通过音乐表现“回答穿透提问者、飞向另一维度”的过程。“音乐是连接此世与彼世、现实与梦境的‘通道’”——这一理念促使我将作品命名为“passage”。请仔细聆听声音，缓缓穿行于这条通道：通道中存在诸多空白（沉默）的空间，当我们体验这些空白时，声音景观中便会浮现出富有深度的景致。乐曲始终重复着渐强与渐弱的波动，既似海浪起伏，又如呼吸往复。在这条描绘圆环（螺旋）的时间漩涡中，旋律片段诞生、解体，最终消融于海浪般的波动里。而在结尾部分，音乐化作哀歌般的旋律，由四件乐器共同编织出柔和的纹理。这部作品由高崎艺术剧场与科隆爱乐乐团联合委约，献给首演者阿尔迪蒂四重奏团。（细川俊夫）5、利盖蒂：《弦乐四重奏曲No.2》（1968）作为历史上著名小提琴家莱奥波尔德·奥尔的亲戚，且学生时代唯一系统学习过的乐器是大提琴的杰尔吉·利盖蒂（1923-2006）而言，“弦乐四重奏曲”似乎是一个对他而言格外重要的音乐体裁。这部《第二号》创作于《第一号》完成14年后，既凝结了他流亡匈牙利后进行的各类实验成果，也真实反映了1968年这一节点上，作曲家正处于风格发展期的创作状态。第一乐章或许是利盖蒂作品中无调性特征最为突出的段落。旋律元素的匮乏、静与动的极端对比、和声的频繁运用、节奏感的稀薄，以及试图均衡使用12个音高的音高设计等，均体现了战后前卫风格的典型特征。第二乐章则呈现出与前一乐章相呼应又相对立的性格：四件装弱音器的乐器以升G音为起点逐渐扩散，过程中某些音符通过col legno（用弓杆敲击琴弦）等演奏技巧被微妙强调，从而营造出细腻的阴影效果。乐章后半部分则呈现出佩德雷茨基式的音响，包含各类拨弦、乐器敲击、伴有滑音的音群等元素。 第三乐章采用利盖蒂擅长的手法，将不同速度的拨弦同音重复层层叠加。第四乐章呈现出类似巴托克四重奏曲的变形风格，带有粗野的音响特质。其音高设计基本采用集群式结构，且每小节节奏变化的非常规结构，成功营造出断续的时间感。以弱音为主的第五乐章，以“在指板上”指定的细微动作所营造的摇曳效果为基调。由于四件乐器的垂直线条并未完美契合，乐章最终在一种略带焦躁的情绪中收尾。（沼野雄司） 艺术家团体介绍：阿迪蒂四重奏由艾尔文·阿迪蒂创立，1974 年于伦敦开启演艺活动。该四重奏专注于当代音乐及 20 世纪初的作品，已参与超过 50 部作品的世界首演，其中包括凯奇、卡特、德斯潘、费尔曼、德・帕布洛等作曲家的作品。他们曾斩获 1992 年国际评论家奖、皇家爱乐协会奖，以及 1999 年恩斯特・冯・西门子奖等重要奖项。自 1988 年受邀参加由武满彻主办的 “今日音乐节” 起，阿迪蒂四重奏开始在日本展开活动。艾尔文·阿迪蒂1953年生于伦敦，16岁进入皇家音乐学院深造。1976年，他加入伦敦交响乐团，两年后（25岁时）成为该乐团的联合首席小提琴手。1980年，为能将更多精力投入学生时代便已组建的阿迪蒂四重奏团，他选择离开乐团。 过去十年间，艾尔文·阿迪蒂首演了大量专为他创作的大型作品，其中包括克塞纳基斯的《Orkh》、细川俊夫的《Landscape III》（均为小提琴与管弦乐队作品），以及费尔内霍夫的《Terrain》、弗朗切斯科尼的《Riti Neurali》、狄龙的《Vernal Showers》和哈维的《Scena》（均为小提琴与室内乐团作品）。他曾与众多知名乐团及室内乐团合作，包括英国广播公司交响乐团、柏林广播交响乐团、阿姆斯特丹皇家音乐厅管弦乐团、慕尼黑爱乐乐团、德国青年爱乐乐团、国家管弦乐团、阿斯科室内乐团、新室内乐团、勋伯格室内乐团、伦敦室内乐团与康特尚普斯室内乐团等。近期演出中，他与鹿特丹爱乐乐团合作演绎了利盖蒂的《小提琴协奏曲》，还与海牙驻地乐团合作呈现了杜蒂耶的《小提琴协奏曲》。 在录音领域，除与阿迪蒂四重奏团共同录制超过100张CD外，艾尔文·阿迪蒂的独奏录音目录亦令人瞩目。他录制的卡特、埃斯特拉达、费尔内霍夫、多纳托尼等作曲家的独奏小提琴作品，以及诺诺的《遥远》，均由蒙塔涅唱片公司发行并屡获殊荣。他为美国Mode唱片公司录制的凯奇《弗里曼练习曲》（《Freeman Etudes》）独奏小提琴作品，作为凯奇小提琴音乐全集系列的一部分，已载入音乐史册。 此外，他与莫斯科爱乐乐团在莫斯科合作录制的贝里奥、克谢纳基斯及米拉的小提琴协奏曲，已收录于瑞典Bis唱片公司的专辑中。 拉尔夫・埃勒斯（中提琴）是伦敦最受追捧的中提琴演奏家之一。他出生于巴西圣保罗，1989 年斩获南美音乐比赛大奖，随后在南美多地与众多乐团合作举办独奏音乐会并演奏协奏曲。他在欧洲继续深造期间，先后师从诺布子・伊马伊与托马斯・里布尔，之后作为普尔钦奈拉四重奏团成员活跃了三年，期间在法国、德国、意大利、奥地利等国广泛演出。他还曾与多个当代乐团合作，包括法兰克福现代乐团、奥地利新音乐乐团及伦敦交响乐团。2003 年 1 月，拉尔夫・埃勒斯加入阿迪蒂四重奏团。卢卡斯·费尔斯（大提琴）是当今乐坛最杰出的大提琴家之一。他与克劳斯·胡伯、赫尔穆特·拉赫曼、沃尔夫冈·里姆、萨尔瓦托雷·斯查里诺、贝阿特·富尔尔等作曲家保持着紧密合作，催生出多部专为他创作的作品。 卢卡斯·费尔斯最初在巴塞尔和苏黎世师从罗尔夫·洛瑟学习大提琴，还曾参与安东尼奥·贾尼格罗、西格弗里德·帕尔姆、布鲁诺·卡尼诺等大师的大师班。作为备受赞誉的“探索乐团”（Ensemble Recherché）的创始成员——该乐团以专攻新音乐为特色，他积极推动了当代室内乐与乐团音乐的发展。目前，收录其独奏及室内乐作品的CD已超过30张，充分展现出他广泛的音乐曲目涉猎。阿肖特·萨尔基相（小提琴）最初在故乡的柴可夫斯基音乐学院师从阿拉·博格丹扬学习，之后在吕贝克音乐学院深造，期间主要师从小提琴家玛丽亚·埃格霍夫和弦乐四重奏导师沃尔特·莱文，此外还曾在科隆音乐学院跟随米哈埃拉·马丁学习。 作为吕贝克新音乐团的联合创始人，他经常与作曲班学生合作，首演为小提琴或弦乐四重奏创作的新作品。自2002年起，阿肖特·萨尔基相成为巴黎当代音乐团（EIC）成员，与皮埃尔·布列兹、乔治·库塔格、布莱恩·费尔尼霍夫等众多作曲家有过合作。2005年6月，阿肖特·萨尔基相加入阿迪蒂四重奏团。
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